CALLIGRAFE

Ciao a tutti, amici di Calligrafe.

Come ho fatto diverse volte in passato, la riflessione che stavolta voglio proporvi tocca un argomento a me particolarmente caro: la trasposizione cinematografica di un’opera narrativa. Tuttavia l’oggetto della mia disamina non sarà un romanzo, un racconto o una novella: voglio parlarvi del fumetto.

Vi siete mai chiesti come funzioni davvero l’adattamento cinematografico delle opere fumettistiche, specialmente quelle a tema supereroistico?

Qual è il modo giusto per rendere il fumetto un prodotto cinematograficamente fruibile?

Non dimentichiamo che ogni medium ha i suoi dettami e, alle volte, in una traduzione intersemiotica – come potrebbe essere quella cinematografica – è necessario operare un passaggio di codici.

Ciò significa che quello che potrebbe funzionare in un formato non è detto che funzioni nell’altro.

Mi spiego meglio.

Dal verosimile allo spettacolare

Il rapporto tra fumetto e cinema è sempre stato caratterizzato da una tensione costante tra fedeltà e adattamento. I fumetti, in particolare quelli di supereroi, si fondano su una dimensione iperbolica: corpi che sfidano le leggi della fisica, universi narrativi stratificati, eventi spesso al limite dell’assurdo.

Trasporre questo immaginario sul grande schermo ha posto, nel corso degli anni, una questione cruciale: è preferibile restare fedeli all’originale o adattarlo ai codici di verosimiglianza propri del linguaggio cinematografico?

A partire dai primi anni Duemila fino a oggi, la risposta a questa domanda è profondamente cambiata. Se le prime trasposizioni privilegiavano una certa plausibilità narrativa, le produzioni contemporanee tendono invece a enfatizzare la spettacolarità e la fedeltà estetica al fumetto.

Ma questo cambiamento ha davvero migliorato il risultato finale?

I primi anni Duemila: il primato della verosimiglianza

Le trasposizioni cinematografiche dei primi anni Duemila si muovevano in un contesto ancora incerto, in cui il genere supereroistico non aveva ancora conquistato una legittimazione piena presso il grande pubblico.

In quel periodo il cinema tratto dai fumetti seguiva una regola abbastanza chiara: rendere il fantastico il più possibile vicino alla realtà. Pertanto registi e sceneggiatori scelsero una strategia prudente: ridurre l’eccesso fantastico per rendere i personaggi più credibili e accessibili.

Come risultato si ebbe la creazione di pellicole meno spettacolari rispetto a quelle odierne, ma spesso più solide dal punto di vista narrativo.

Un esempio emblematico è la trilogia degli X-Men diretta da Bryan Singer (2000–2006). I costumi neri in pelle, lontani dalle sgargianti divise dei fumetti, rappresentano una scelta precisa: contenere l’elemento fumettistico per inserirlo in un contesto più realistico e drammatico.

Fu una scelta che all’epoca fece lungamente discutere, ma l’obiettivo era portare la narrazione in una direzione diversa. Anche i temi affrontati – discriminazione, identità, integrazione – contribuiscono a conferire profondità e maturità al racconto. I poteri esistono, ma non sono mai il centro assoluto del racconto.

Analogamente, la trilogia di Spider-Man di Sam Raimi (2002–2007) riesce a coniugare spettacolo e introspezione. Pur mantenendo elementi fantastici, il percorso di Peter Parker è costruito su conflitti umani credibili: responsabilità, senso di colpa, crescita personale. Egli è prima di tutto un ragazzo alle prese con tensioni interiori, fallimenti e scelte difficili.

Il supereroe nasce da questo conflitto, non il contrario. Il risultato è un equilibrio tra dimensione supereroistica e dramma individuale.

Più problematico, ma comunque significativo, è il caso de I Fantastici Quattro di Tim Story (2005–2007) che, pur con toni più leggeri, mostra una certa attenzione alla coerenza narrativa e alla costruzione dei personaggi senza azzardare spettacolarità troppo fantasiose.

In sintesi, queste prime trasposizioni funzionavano perché cercavano un equilibrio: “tradurre” il fumetto nel linguaggio cinematografico adattandolo alle sue esigenze di verosimiglianza e coerenza interna.   

Il presente: fedeltà, spettacolo e iperbole

Con l’affermazione del Marvel Cinematic Universe, la prospettiva cambia radicalmente.

Il paradigma si ribalta, il successo commerciale e culturale del genere consente una maggiore libertà creativa: ciò che un tempo veniva attenuato per risultare credibile, oggi viene esibito senza filtri. Il pubblico ormai è abituato ai supereroi e il cinema non sente più il bisogno di “giustificare” il fantastico, anzi lo accetta completamente.

Le produzioni contemporanee abbracciano a pieno l’estetica fumettistica, includendo multiversi, viaggi nel tempo, divinità cosmiche e realtà alternative.

Film come Avengers: Endgame, Doctor Strange o Spider-Man: No Way Home portano sullo schermo esattamente quel tipo di immaginario “senza limiti” tipico dei fumetti: una dimensione visiva e narrativa estremamente complessa, resa possibile dai progressi nella CGI.

Tuttavia questa evoluzione, se da un lato porta indubbi vantaggi (maggiore fedeltà alle opere originali, ampliamento dell’immaginario, spettacolarità visiva senza precedenti) dall’altro fa emergere anche non trascurabili criticità (narrazioni molto più complesse e alle volte dispersive).

Il nodo critico: spettacolo o narrazione?

Una parte della critica e del pubblico ritiene che il cinema supereroistico contemporaneo abbia progressivamente sacrificato la solidità narrativa in favore dell’effetto spettacolare. L’accumulo di eventi straordinari, la moltiplicazione dei personaggi e la continua escalation visiva rischiano di indebolire il coinvolgimento emotivo dello spettatore.

E così, quando ogni film deve essere più grande, più spettacolare e più sorprendente del precedente, la narrazione finisce inevitabilmente per passare in secondo piano. E lo spettatore, invece di emozionarsi, finisce per abituarsi.

Nei film dei primi anni Duemila la sospensione dell’incredulità era costruita attraverso una coerenza interna più rigorosa: “poche cose straordinarie, ma costruite bene”; le opere più recenti puntano invece sulla capacità dello spettatore di accettare qualsiasi elemento, purché visivamente accattivante. Quando tutto è possibile, nulla sorprende davvero.  

Una riflessione finale

Il punto centrale non è stabilire se i film di oggi siano peggiori. Il problema è un altro: le priorità sono cambiate.

Il confronto tra le trasposizioni cinematografiche dei fumetti dei primi anni Duemila e quelle odierne mette in luce due approcci distinti: da un lato, l’adattamento “realistico”, che filtra l’iperbole fumettistica attraverso le esigenze del cinema; dall’altro, l’adattamento “fedele”, che abbraccia pienamente la natura fantastica dell’originale.

Stabilire quale dei due modelli sia superiore è, in ultima analisi, una questione di prospettiva. I puristi apprezzeranno la fedeltà e la ricchezza visiva del cinema contemporaneo; altri spettatori (come me, consentitemi di dire) rimpiangeranno la maggiore sobrietà e profondità narrativa delle opere precedenti.

Certamente, oggi, la vera sfida per il genere supereroistico sta nel ritrovare un equilibrio tra la fedeltà alla magia del fumetto e una più sobria solidità narrativa.

Ma è forse proprio in questa tensione irrisolta che risiede il suo fascino duraturo.

Articolo a cura di Giordano Gambuzza